PAUL WITHEMAN. Rhapsody in Blue

PAUL WITHEMAN, Rhapsody in Blue

Podríamos decir que Paul Whiteman fue el primero músico que aposto por el jazz sínfonico.

Un dia como hoy nació, Paul Whiteman, también llamado Pops, (Denver, 28 de marzo de 1890 – Doylestown,29 de diciembre de 1967) director de orquesta estadounidense y violinista .
Podríamos decir que Paul Whiteman fue el primero músico que aposto por el jazz sínfonico.Fruto de esa apuesta surgió la genial idea de estrenar y dirigir el estreno de la obra Rhapsody in Blue de George Gershwin.
 La obra fue se ePaul_Whiteman_in_Radio_Stars (1) strenada el 12 de febrero de 1924 en el Aeolian Hall de Nueva York, en un concierto titulado “Un experimento en música moderna” (An Experiment in Modern Music).
La orquestación fue hecha
por Ferde Grofe, el arreglista de Whiteman.

Al finalizar el público recompensó la interpretación puesto en pie, aplaudiendo al compositor-pianista durante casi un cuarto de hora ―y no es que se tratara de una audiencia precisamente fácil, pues entre ella se encontraban figuras como Stravinski o Rajmáninov.

Tal como explico el propio autor en sus memorias:
“Yo no tenía ningún plan. Ninguna estructura en la que encajar mi música. Al principio, la rapsodia fue para mí más una meta que un plan. Trabajé en algunos temas, pero sólo hasta que tuve que irme a Boston para dirigir los ensayos de “Sweet Little Devil”. Fue dentro del tren, con su ritmo de acero y su ruido estrepitoso […] cuando de repente oí, y hasta vi sobre el papel, la rapsodia completa de principio a fin.”

 

La versión que ponemos es la original del 1924 con el propio compositor al piano. En cuya interpretación se dio el lujo de tocar partes improvisadas.

LOS HERMANOS DORSEY

LOS HERMANOS DORSEY

Durante la década de 1920, los dos hermanos trabajaron en varias bandas y como músicos independientes y de estudio, sobre todo en la ciudad de Nueva York.

El 29 de febrero nació. James Francis Dorsey mas conocido como Jimmy Dorsey 29 de febrero de 1904, en Shenandoah, Pensilvania.

Su padre, Thomas Francis Dorsey, era un minero de carbón que más tarde se convirtió en un profesor de música y condujo a una banda de música; sus tres hijos estudiaron música con él. Cuando eran sólo los adolescentes, Dorsey y su hermano más joven, Tommy, formaron su primera banda, la novedad de Dorsey Six, más tarde conocido como Canarias salvajes Dorseys .

Durante la década de 1920, los dos hermanos trabajaron en varias bandas y como músicos independientes y de estudio, sobre todo en la ciudad de Nueva York.

Tommy_and_Jimmy_Dorsey_1955

Mientras que los dos hermanos habían comenzado en la bocina, Jimmy se hizo conocido por su forma de tocar del clarinete y el saxofón alto, mientras que Tommy tocaba el trombón y la trompeta. Los hermanos Dorsey jugado con todos los grandes nombres de la gran banda y la música swing, incluyendo los Ramblers de California, la orquesta de Paul Whiteman, Vicente López, Joe Venuti, y Ted Lewis; También registran como acompañando a músicos con Bing Crosby, las Boswell Sisters, y Ruth Etting, entre otros.

HAENDEL , Julio César en Egipto

Julio César en Egipto una ópera en tres actos con música de Georg Friedrich Händel

JULIO CESAR FUE ASESINADO POR BRUTO Idus de Marzo, 44BC (15 de marzo de 44 a. C).Una fecha que cambio la historia de Roma y del mundo. Por eso queremos compartir con vosotros una de las obras de música más bellas de Händel.

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Julio César en Egipto una ópera en tres actos con música de George Friedrich Händel y libreto en italiano de Nicola Francesco Haym quien usó un libreto anterior por Giacomo Francesco Bussani musicado por Antonio Sartorio (1676). Fue compuesta para la Royal Academy of Music. Primera edición impresa (1724).

El argumento narra la victoria de Cesar derrotando a Pompeyo a las orillas del Nilo. Mientras la segunda esposa de Pompeyo, Cornelia, ruega piedad por la vida de su marido. César acepta, pero con la condición de que Pompeyo debe verlo en persona. Así es como comienza el primer acto…


El segundo acto, trascurre en el palacio de Cleopatra, la reina seduce a César. En el palacio de Ptolomeo. Ptolomeo también intenta seducir a Cornelia ( la victima sin duda de toda la trama), pero es rechazado…

Haendel
En el Acto final acaba con el triunfo de Cesar y Cleopatra sobre Ptolomeo. Los victoriosos César y Cleopatra entran en la ciudad de Alejandría y César proclama a Cleopatra como reina de Egipto y promete ayudar a su reino. Se declaran su amor y la gente aclama su felicidad y la llegada de la paz a Egipto.


En esta producción moderna encontrareis muy chocante los decorados y la escenografía, una puesta en escena que quiere seguramente acerca la opera a un público más
contemporáneo. Aunque quizás lo que deberían (al menos lo que pensamos nosotros) es apostar más por compositores actuales, y dejar de cambiar lo que ya está perfectamente preciso y detallado. Por cierto, los cantantes y la orquesta crean un interpretación maravillosa.


Andreas Scholl: Giulio Cesare.
Cecilia Bartoli: Cleopatra.
Anne Sofie von Otter: Cornelia.
Philippe Jaroussky: Sesto.
Christophe Dumaux: Tolomeo.
Ruben Drole: Achilla.
Jochen Kowalsky: Nirena.
Peter Kálmán: Curio.

Il Giardino Armonico
Conducted by Giovanni Antonini.
Directed by Moshe Leiser & Patrice Caurier.
Live from the Salzburger Pfingstfestspiele.

SVIATOSLAV RÍJTER

« ¿Cómo podría enseñar —decía— si yo estoy permanentemente aprendiendo?»

SVIATOSLAV TEOFÍLOVICH RÍJTER (Zhytómyr, Ucrania , 20 de marzo de 1915 – Moscú, Rusia, 1 de agosto de 1997)
Richter nunca tuvo un puesto en un conservatorio y nunca tuvo ningún discípulo, al menos no formalmente.

RICHTER_Sviatoslav
Tuvo una estrecha amistad con muchos pianistas jóvenes, incluyendo a Andrei Gavrilov, y Zoltan Kocsis, a quienes indudablemente les enseñó mucho. Gavrilov certifica la influencia de Richter sobre toda una generación de músicos:


«Richter no es simplemente una gran Escuela. Es una especie de biofield en el cual uno se siente absolutamente diferente.»


Era muy selectivo. Nunca tocó el Tercer Concierto para piano de Rachmaninoff ni el Quinto Concierto de Beethoven. En ambos casos, pensaba que otros habían tocado esas obras tan bien que él no tenía nada más que decir. Tampoco tocaba todas las Sonatas de Beethoven o todos los Estudios de Chopin o los preludios de Rachmaninoff.

Al mismo tiempo, fue el campeón de los temas no populares que, según él, merecían atención. Richter tocaba muchas de ellas juntas cuando pocos pianistas lo hacían. También tocaba algunas de las de las obras de Josef Haydn —trabajos no escuchados frecuentemente. A juicio de públicos muy diversos, sus interpretaciones más destacadas han sido las primeras grabaciones del Concierto para Piano de Tchaikovsky’s Piano, su versión llena de fuerza del Primer Concierto de Prokofiev, y sus deslumbrantes interpretaciones del Concierto de Schumann y de los Estudios Trascendentales de Liszt.

 

También hizo sus pinitos en el cine. Ríjter es Franz Liszt en una película no muy conocida fuera de Rusia dedicada al compositor Glinka (russian film 1952)
Aunque no creemos que físicamente fueran muy parecidos. Y el atrezo que lleva, una peluca – RÍJTER era alopécico- no muy ortodoxa…. RÍJTER hace una interpretación brillante de la obra de Franz Liszt Ricordanza, Por cierto una obra que nunca grabo en disco.

¿Qué opinas tú?

EL MIKADO

EL MIKADO

El Mikado

Es una ópera cómica en dos actos, con música de Arthur Sullivan y libretto de W. S. Gilbert. Es la novena de las catorce óperas de Gilbert y Sullivan. Fue estrenada el 14 de marzo de 1885 en el Teatro Savoy de Londres, siendo un éxito clamoroso desde el primer momento: durante su primera temporada allí fue representada durante 672 actuaciones seguidas, siendo así la segunda pieza musical de más éxito del momento

 W. S. Gilbert y Arthur Sullivan

El Mikado, o el Pueblo de Titipu (en inglés original The Mikado; or, The Town of Titipu) es una ópera cómica en dos actos, con música de Arthur Sullivan y libretto de W. S. Gilbert. Es la novena de las catorce óperas de Gilbert y Sullivan, y una de las más apreciadas.

Fue estrenada el 14 de marzo de 1885 en el Teatro Savoy de Londres, siendo un éxito clamoroso desde el primer momento: durante su primera temporada, fue representada durante 672 actuaciones seguidas, siendo así la segunda pieza musical de más éxito del momento.


El video que compartimos es el Makin of de la compañía Dagoll Dagom con Imágenes y entrevistas de como se hizo el espectáculo en el año 2005. 

MODEST MÚSORGSKI

Musorgsky  fue precursor sin el saberlo de lo que después se llamaría Impresionismo musical

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Modest Petróvich Músorgskl (Karevo, Pskov, 21 de marzo de 1839-San Petersburgo, 28 de marzo de 1881)

MÚSORGSKI fue precursor sin el saberlo de lo que después se
llamaría Impresionismo musical. En una de sus obras más conocida (Cuadros de una exposición) establece una conexión
entre pintura y música. La idea de esta obra surgió inspirada por la exposición póstuma de diez pinturas y escritos de su gran amigo, el artista y arquitecto Víktor Hartmann (1834-1873), quien solo tenía 39 años cuando murió.

Como él dijo “había estado caminando con Hartmann unas pocas semanas antes, cuando el artista se vio obligado a parar y descansar contra una pared, no dándole importancia a este hecho Hartmann para no preocupar a su amigo”

La exposición fue organizada por Vladímir Stasov (1824-1906), escritor, crítico musical y asesor del Círculo de Balakirev. A manera de homenaje, el compositor quiso «dibujar en música», algunos de los cuadros expuestos y dedicó la partitura a Stasov.

Los cuadros de Hartmann que conformaban la exposición eran los siguientes:

• Gnomos: un gnomo alargando con pasos torpes, sus piernecillas torcidas, con aullidos y convulsiones. Es representado en la forma de un cascanueces.
• Il vecchio castello: un castillo de la Edad Media, ante el cual canta un trovador bajo un balcón.
• Tuileries (Tullerías): en la alameda de un jardín, algarabía de niños junto a sus juegos.
• Bydlo (“cabeza de ganado”): una carreta polaca con dos enormes ruedas, enganchada a dos bueyes. (Con un gran manejo de la dinámica, Músorgski refleja el acercamiento y alejamiento de la carreta).
• Ballet de polluelos en sus cáscaras: imagen humorística de dos polluelos festivos; este dibujo a tinta china fue hecho para el decorado del ballet Trilbi.
• Samuel Goldenberg y Schmuyle: dos judíos polacos, uno rico y arrogante, el otro pobre y plañidero. Cabe destacar que hay interpretaciones que sitúan en escena a un sólo personaje pero con dos caras: su lado de apariencia europea y su verdadera naturaleza judía. Esto ha llevado que sea visto como una muestra del antisemitismo del compositor, reflejado en su correspondencia y muy común también en la época y en su contexto.
• El mercado de Limoges: unas mujeres discutiendo animadamente en el mercado.
• Catacumbas: se ve allí a Hartmann y dos sombras, visitando las catacumbas de París a la luz de una linterna.
• La cabaña sobre patas de gallina: una cabaña con forma de reloj, donde vive la bruja Baba-Yaga. Las patas de gallina le sirven para atacar a cualquiera que se acerque (como niños perdidos). También lleva un mortero de piedra donde tritura los huesos de los niños.
• La Gran Puerta de Kiev: proyecto de construcción arquitectónica, en el estilo ruso antiguo, con cúpula en forma de casco. Diseño de un monumento para honrar al zar Alexander II. Aquí Musorgsky imita el sonido festivo de las campanas rusas.

La versión que os ponemos es cuando memos curiosa. Cuadros de una exposición, es el primer álbum en vivo, de la banda de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer, grabado en directo en 1971 y lanzado en 1972, con música adaptada de la obra de Modest Músorgski a partir de la orquestación de Maurice Ravel. En 1922 Ravel elaboró la obra para orquesta, por encargo de Sergéi Kusevitski, director de los Concerts Symphoniques de París. En El viejo castillo Ravel hizo que el fagot y el saxofón compartieran una apaciguada y a la vez melancólica melodía con el acompañamiento de las cuerdas. Intenta mantenerse fiel a la estructura original, la única licencia que toma es la de eliminar la quinta Promenade que precede al cuadro Limoges. Le marché.

La versión que os ponemos es cuando memos curiosa. Cuadros de una exposición, es el primer álbum en vivo, de la banda de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer, grabado en directo en 1971 y lanzado en 1972, con música adaptada de la obra de Modest Músorgski a partir de la orquestación de Maurice Ravel

Para los que les guste la versión de Ravel la dejaremos en post de la página también…

¿Que versión escogerías?

PUCCINI

“Aquí se acaba la ópera del maestro.  Había escrito hasta aquí cuando murió”

 Dijo Toscanini.  Y entre aplausos se bajó lentamente el telón.

Puccini7

Giacomo Antonio Domenico
Michele Secondo Maria Puccini, (Lucca, 22 De Diciembre De 1858 – Bruselas, 29 De Noviembre De 1924)

A pesar que sus óperas no tienen la densidad y complejidad de Wagner. .

Podríamos Decir Que Sus Arias Son De Un Lirismo Extraordinario, y son pequeñas gemas que el compositor deja caer sobre el entramado de la obra.

La ultima opera escrita por el compositor Turandot guarda un par de anécdotas muy bellas y entrañables.

Toscasnini unos de los directores mas importantes de la historia de la música fue intimo amigo de Puccini. La relacion se había enfriado bastante durante A pesar de sus enfrentamientos durante 1920 y 1922 .

En navidad Puccini le envió de un panetone por “error” ( Puccini se olvidó de borrar el nombre de Toscanini de la lista antes de dar la orden de enviar los panetones de Navidad, costumbre de intercambiar con amigos en Italia) .
Cuando el compositor se dio cuenta, el Panetone ya había sido enviado. Puccini mandó un telegrama al director, diciendo “Panetone enviado por error.” Lo más gracioso es que Toscanini contestó: “Panetone comido por error”.
Toscanini_PucciniPero la anécdota mas preciosa fue a la muerte del compositor . En el estreno de  estreno de Turandot ( La  Scala de Milán, en 1926 ) Toscanini, no se  olvido del maestro. Toscani paro la opera dejó la batuta en el atril, se volvió hacia el público y, conmovido por la muerte de su amigo, dijo: “Aquí se acaba la ópera del maestro.    Había escrito hasta aquí cuando murió”.
 Y entre aplausos se bajó lentamente el telón.

Más de cuatro años fueron necesarios para que Puccini compusiera Turandot, tiempo transcurrido desde que se decidiera por este argumento, marzo de 1920, hasta su muerte acaecida a finales de noviembre de 1924, dejando la obra inconclusa. Durante este periodo fueron numerosas las modificaciones que exigió a sus libretistas, y la obra quedo inconclusa, las últimas dos escenas de Turandot fueron acabadas por Franco Alfano bajo la supervisión de Arturo Toscanini. La versión que completó Alfano se presentó en la segunda noche.

De todas las arias compuestas por Puccini hay una que por su dramatismo y musicalidad  sobresale de las demás: ” Nesum Dorma”.Es el momento álgido de la opera , es cuando el protagonista  no sabe si volverá a ver el día siguiente….

Aquí la traducción.

Turandot 
“Nessun dorma”  Traduccción
¡Que nadie duerma!
¡Que nadie duerma!
¡Tú también, princesa,
en tu fría estancia
miras las estrellas que tiemblan
de amor y de esperanza!
¡Mas mi misterio
se encierra en mí,
mi nombre nadie sabrá!
¡No, no, sobre tu boca lo diré,
cuando resplandezca la luz!
¡Mi beso deshará
el silencio que te hace mía!
VOCES FEMENINAS
¡Su nombre nadie sabrá…
y nosotros, ay, debemos morir! ¡Morir!
CALAF
¡Noche, disípate!
¡Estrellas, ocultaos!
¡Estrellas, ocultaos!
¡Al alba venceré!
¡Venceré, venceré!

Para esta obra hemos escogido a uno de los mejores cantantes de todos los tiempos, Mario del Mónaco uno de los grandes intérpretes de la historia de ópera, una voz impresionante.

Si queréis, hacer este ejercicio!!!

Cerrar los ojos por un instante, y veréis como el mundo se parara ante vosotros!!!!

Smokey Robinson

 

En una entrevista, Robinson afirmó “He sido amigo de Diana Ross desde los once años de edad”9168537026_b113828656_o (1)

En un día como hoy nació Smokey Robinson, nacido como William Robinson Jr. (Detroit, 19 de febrero de 19401 ), es un cantante, compositor y productor discográfico de R&B y soul.

En 1955, Robinson fundó un grupo llamado The Five Chimes con su mejor amigo Ronald White, y con sus compañeros de la escuela secundaria Pete Moore, Clarence Dawson, Grice y James. En 1957, el grupo fue renombrado como The Matadors y reemplazó a Dawson y Grice con sus primos Emerson y Bobby Rogers. Emerson fue sustituido más tarde por su hermana Claudette Rogers, que posteriormente se casó con Robinson. El guitarrista Marv Tarplin se unió al grupo en 1958.


Con Robinson como cantante, The Matadors comenzaron una gira por los alrededores de Detroit. En 1958, Robinson conoció al cantautor Berry Gordy, quien coescribió para ellos el single «Got a job», en respuesta al éxito de The Silhouettes, «Get a job».

 

 

 

 

El grupo cambió su nombre a The Miracles, y publicó singles en dos discográficas, End Records y Chess Records. Poco después, Robinson sugirió a Gordy que iniciara una discográfica propia.

 

En 1959, Gordy fundó Tamla Records, que pronto renombró como Motown. The Miracles estuvieron entre los primeros grupos contratados. Gordy y Robinson cosecharon una relación sinérgica, con Robinson proporcionando una base de éxitos para Motown y Gordy actuando como un tutor para el incipiente cantante y compositor. En 1961, Gordy designó a Robinson como vicepresidente de Motown Records, un título que Robinson mantuvo tanto tiempo como Gordy permaneció en la empresa.
En 1987, Robinson entró en el Salón de la Fama del Rock.

FRANKIE LAINE

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Pero todos lo recordamos por la banda sonora de la película Sólo ante el peligro

Francesco Paolo Lo Vecchio (Chicago, 30 de marzo de 1913 – San Diego, 6 de febrero de 2007) más conocido como Frankie Laine.
En 1937, fue contratado como vocalista de la orquesta de Freddy Cardone, sustituyendo a Perry Como, en un momento en que se cantaba sin amplificación y se debía hacer escuchar por encima de la orquesta.
Pues aquí tenéis al última secuencia de la película cargada de dramatismo fuerza.

¿Quien no se ha sentido absolutamente solo, abandonado?

STEVE VAI

Cada persona es única, y creo de verdad que todo el mundo tiene la capacidad de mostrar esa singularidad en cualquier campo, ya sea música, arte o ciencia. Estamos constantemente rodeados por modas o tendencias en todos los aspectos; como se debe vestir, que se debe escuchar, que hay que comer, que beber, lo que sea, hay que intentar salir de toda esa mierda y no dejarse influencia para encontrar lo que a uno le motiva de verdad. …El verdadero secreto es escuchar a tus sentimientos y emociones y dejarles que te lleven a dónde quieres ir de verdad

May 12, 2015 — 02:28.  Rafa Basa


Pero que hace A Steve Vai tan especial?

Podríamos decir que Vai es un músico dedicado a superar todos los límites que le impone su propio instrumento, y que este afán por innovar, le ha llevado a desarrollar una técnica instrumental única e inigualable. Podemos ver a Steve tocando, todo tipo de guitarras, con dos o tres mástiles, llegando incluso a trabajar con los fabricantes de guitarras haciendo modelos innovadores y exclusivos para el .

Steve Vai Ibanez triple neck

Pero, lo que sorprende aún más es la búsqueda de todo tipo de sonoridades. Su investigaciones , le han llevado a experimentar con multitud de efectos,  distorsiones, delays, rebers y pedales de efectos,  haciendo taping sobre las cuerdas (como si fuera un teclado) , o cualquier sonoridad que se pueda imaginar  con su instrumento,

En esto convierte a Vai, en  un músico, fundamental para entender y estudiar la guitarra eléctrica y las músicas contemporáneas, en toda su dimensión.

El porqué de todo esto lo podemos ver en la respuesta a la magnífica entrevista de Rafa Basa

– ¿Cuál es el mejor consejo que puedes darle a alguien con pocas nociones de tocar la guitarra y que quiere llegar a ser guitarrista profesional?
Steve.- Podría decir muchas cosas, pero lo principal sería que encontrara la música que le hace sentir más vivo. Es algo que está dentro de ti encontrar que música te emociona. Hay mucha gente que nunca descubre que música es la que le motiva de verdad porque están muy ocupados escuchando a otras personas decirles lo que deberían tocar. Se trata de encontrar tu independencia y disfrutar del proceso de tocar.
Lo principal es encontrarse a uno mismo…

Apuntes Biográficos

Steven Siro Vai nació el 6 de junio de 1960, Carle Place, Estados Unidos.

A los 12 años Steve Vai comienza a tomar clases con Joe Satriani . Según Satriani, Steve, siempre lo ha citado como uno de sus mejores alumnos, a pesar de haber contado con estudiantes tan célebres como Marty Friedman (Megadeth), Alex Skolnick (Testament), Kirk Hammett o Reb Beach (Winger), entre otros.

«…llevo componiendo música toda mi vida, como sabrás, que de hecho comencé siendo realmente joven incluso cuando aún no sabía muy bien cómo hacerlo y tal vez todavía no había empezado ni a tocar la guitarra realmente. Ya entonces estaba enamorado de la guitarra y quería tocar, pero supongo que no empecé realmente a hacerlo hasta los 12 años o así. Al principio no sabía muy bien cómo se hacía pero de alguna manera comencé a hacerlo, y luego ya crecí como adolescente en los 70 escuchando cosas como Led Zeppelin y el resto de grandes bandas de rock de entonces. De repente descubrí a Frank Zappa y cómo mezclaba de manera tan grandiosa todos esos elementos que utilizaba»

Posteriormente decide comenzar estudios formales que cursará en la ya citada universidad de Berkle. Steve muestra una increíble dotación PARA transcripción musical, llegando a trabajar como transcriptor,  de ni mas ni menos que  Frank Zappa.

“Cuando empecé a tocar la guitarra fui a hacerlo con Frank. Estuve seis años con él y yo era muy pequeño. Era como una esponja y aprendí muchísimo. El primer consejo que me dio, y aún me sirve, fue “Ten cuidado con tu imagen y con lo que publicas”. En ese momento me pregunté: “¿Qué imagen y qué voy a publicar?” y me dijo que fuera a ver un abogado amigo suyo”.
“Con el dinero que tenía me fui y estuve hablando con esta persona durante una hora. Fue la mejor hora de mi vida y gracias a sus consejos he ganado muchísimo dinero que otros músicos han perdido para siempre”

El trabajo que realiza Vai impresiona a Frank, quien consideraba increíble que un guitarrista tan joven pudiera transcribir sus solos de guitarra con suma facilidad, algo que a él mismo le resultaba difícil. Así, Zappa le pide a Steve Vai que ingresa en su banda como segundo guitarrista.

En el año 1982 Fran Zappa entrevista a Guitar World y habló de Steve.

 «Quiero decir, me gusta la forma en que toca. Creo que es realmente un gran guitarrista. Él hace todo lo que no puedo hacer en la guitarra.”
«Él hace todo el ruido de la Stratocaster y hace todo lo que que alguna vez soñó  Van Halen y  más. Él lee música. Él toca semicorcheas, cosa que yo no toco. Y él hace todas esas cosas que yo no puedo hacer y creo que nuestros estilos son complementarios.”

Posteriormente funda en 1996,  junto a Joe Satriani y Eric Johnson, forma el famoso G3. La gira del G3, supera todas las expectativas y el proyecto se convierte en algo habitual, el formato, que incluye un show en solitario de cada artista, y una jam conjunta sobre clásicos del rock y del blues.

Vai ha ganado tres Grammy y vendido más de 15 millones de discos como artista en solitario, sin contar con las ventas conseguidas como guitarrista colaborador

Finalmente os dejamos un vídeo donde Steve Vai , toca con una orquesta sinfónica varias de sus composiciones. Quizás unos de sus proyectos mas ambiciosos.

Steve habla en esta misma entrevista de Rafa Basa  de como se  fraguo la idea de orquestar su música. En su respuesta podemos ver la dimensión del músico ,una  formación, muy poco común para lo que se conoce como músico de Rock:

«Es que es muy difícil para un artista el tocar tu música con una orquesta porque muchas veces el repertorio está compuesto de canciones escritas en el pasado y además para otro formato totalmente diferente. En mi caso hay muchas piezas nuevas y además tocadas por mi guitarrista, no exclusivamente por mí. También he compuesto una sinfonía de 6 movimientos, una pieza para que la toque toda mi banda sin mí, y ahora estoy trabajando en varias piezas más.
«También he hecho cosas para celebrar el aniversario del primer Stravinsky Festival en Holanda. Además, el año pasado recopilé algunas de las composiciones que he hecho para mí y mi banda con la orquesta, y ya he hecho algunos shows con mi amigo Fabrizio (Grossi, suponemos) en Rumania, Italia… y ha funcionado muy bien

CA EN ES