CARMEN MERCEDES MCRAE 

       “Cada palabra es muy importante para mí”

Carmen Mercedes McRae (8 de abril de 1922 – 10 de noviembre de 1994) A veces hablar de Carmen MacRae , es una tarea compleja.  Carmen  MacRae, creció a la sombra de las grandes del jazz.

Fue una época complicada para ella, ya que enseguida salían las comparaciones  entre ella ,  Billie Holiday ( la que fue su inspiración según explico ella más tarde) , Ella Fitzgerald o Sarah Vaughan. Carmen McRae nació en Harlem el 8 de abril de 1920, uno de los cuatro hijos de inmigrantes de las Indias Occidentales.

Creció en Brooklyn, asistió a Julia Richman High School en Manhattan y recibió clases de piano desde los cinco años.

Su primera gran oportunidad le vino cuando ganó un concurso de talento de aficionados en el Teatro Apollo de Harlem. Fue allí donde fue descubierta en 1939 por Irene Kitchings, quien entonces estaba casada con el pianista de jazz Teddy Wilson, que le impulso su carrera. A partir de  1943 en Brooklyn, mientras trabajaba de oficinista durante el día actuaba en clubes por la noche.

Poco a poco comenzó a sustituir a otros cantantes de bandas dirigidas por Benny Carter, Count Basie y Earl (Fatha) Hines.

Con el tiempo consiguió un contrato de 18 meses con la banda liderada por Mercer Ellington, el hijo de Duke, haciendo en 1946 su  primera grabación con la banda, cantando bajo el nombre de Carmen Clarke.

Carmen McRae lanzó su primer disco en solitario en 1955, el mismo año hizo sus primeras grabaciones para Decca, donde permaneció hasta 1958.

Luego vinieron muchas más  compañías discográficas, hasta llegar a la friolera de más de 51 discos en toda su carrera musical. Pero que hace de Carmen McRae una cantante tan especial, ella no tenía el registro ni de Ella ni de Sarah.

Pero tenía una tremenda musicalidad que hizo de las canciones como una intérprete sumamente detallada de las letras, seguramente debido a su formación pianística.

Tal como decía ella:  “Las letras son lo primero, y luego la melodía. La letra de una canción que podría decidir a cantar debe tener algo que puedo convencer a. Es como una actriz que selecciona un papel que contiene algo que quiere representar.” Por eso Carmen McRae, es considerada por muchas cantantes como  una inspiración y un camino a seguir.

Os dejamos con un video de su primera época que los disfrutéis!!! Carmen McRae, voz. Norman Simmons, piano. Victor Sproles, contrabajo .Walter Perkins, bateria.

 

HERBERT VON KARAJAN

Bueno… él (Karajan) era un hombre problemático con la gente que no colaboraba con él, o que no colaboraba bien con él, o… sencillamente… ¡Los que no colaboraron con él porque él no quiso! … Bueno, mire, es fácil hablar mal sobre alguien a quien no se conoce. (Jose Carrareras)

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(Salzburgo, 5 de abril de 1908Anif, cerca de Salzburgo; 16 de julio de1989)

Hablar de Karajan es hablar de una personalidad compleja. Su importancia se vislumbra  en los siguientes datos: Dirigió la Orquesta Filarmónica de Berlíndurante treinta y cinco años. Realizó más de 900 grabaciones y vendió más de 300 millones de discos en todo el mundo

Un personaje con aristas, donde podemos ver  su archiconocida relación con el partido Nazi, hasta sus maravillosas interpretaciones de Malher (compositor de origen judío). Nos difiere un gran abismo. Como todos los grandes hombres está lleno de aristas.

Sobre su pasado Nazi,  En una entrevista para el  “The New York Times”. WORLD James Oestreich, editor de música y danza nos da una visión interesante.

·         NYT. “Uno de los aspectos más discutidos de la vida de Karajan es su ingreso en 1933 en el partido nazi. Algunos de sus biógrafos recientes dicen que la motivación fue más profesional que ideológica. Pero lo cierto es que dirigió para Hitler y otros altos políticos del nacionalsocialismo, que lo admiraban profundamente. ¿Qué importancia tiene esta parte de su historia?

J. O.: Bueno, es un dato muy importante. Y ni mucho menos es el único con este pasado. El director alemán Wilhelm Furtwaengler se encontró con muchas dificultades por esta misma cuestión… y Richard Strauss estuvo a la cabeza de la cámara musical nazi. Es un aspecto desafortunado de la biografía de Karajan, pero en mi opinión no desvirtúa en absoluto la calidad de su música. En esa época sucedieron un sinfín de cosas terribles, y él fue parte de ellas.

Quizás podemos tener una visión más real escuchando a artistas que colaboraron con él, como en todo hay para todos los gustos.

Fuente: El Universo Humano Y Musical De Herbert Von Karajan Pablo Ransanz (Nº 2, Enero, 2007)

“Es difícil hablar de Karajan con nosotros, porque cuando alguien dice que Karajan no era una buena persona, nos levantamos y nos vamos. Y quedó en nuestra vida musical hasta un extremo tan inalcanzable, que no nos gusta siquiera discutir el tema. Nos conocimos en los primeros conciertos que dirigió en 1945 con la Filarmónica de Viena. No sé si estará al tanto del tema, pero él había sido prohibido por su colaboración con el III Reich…” Director de la Sociedad de Amigos de la Música de Viena (“Gesellschaft der Musikfreunde”).  Profesor Harscheck

·         “La historia con Karajan fue bastante desagradable al final… sí… desde luego. Sí, sentía cierta acritud hacia Karajan, si se me permite; pero siempre admitió que la orquesta se benefició mucho de él, y que aprendió mucho de Karajan y se su forma de trabajar. Y en los primeros años, Karajan hizo exactamente lo que era necesario… Usted ya me entiende… (dirigiéndose al entrevistador)” Elizabeth Schwarzkopf

·              «… Tuvimos varias discusiones de ese estilo. Pero él era pequeño como ser humano, siendo como era un gran artista, un gran músico. Tenía memoria de elefante, pero era pequeño como ser humano. Nunca olvidaba un error, nunca lo olvidaba y lo utilizaba. No se preocupaba de ser agradable con la gente si no lo necesitaba. Mientras no necesitara a un cantante, a cualquier cantante, no era capaz ni de saludar, y cosas así…” BIRGIT NILSSON

·         “Bueno… él (Karajan) era un hombre problemático con la gente que no colaboraba con él, o que no colaboraba bien con él, o… sencillamente… ¡Los que no colaboraron con él porque él no quiso! … Bueno, mire, es fácil hablar mal sobre alguien a quien no se conoce. Yo no quiero entrar en discusión sobre Karajan… Mire, yo creo que musicalmente era un genio, era un director increíble, y eso se debía a su enorme sensibilidad y a su increíble magnetismo. Magnetismo no sólo con el público, sino también con los músicos. Y cuando hablo de los músicos me refiero a la orquesta, al coro, y por supuesto a los cantantes. Con él eras capaz de hacer cosas que no hacías con ningún otro. Yo no sólo tuve una increíble colaboración profesional con él, que duro 12 años, sino también tuve una muy buena relación personal que me ayudó mucho. Y… bueno… yo no sé cómo sería con los demás, ni tampoco me importa. Sólo puedo hablar de cómo fue conmigo. Era un hombre muy cálido, muy sensible, y debo decir sinceramente que la colaboración que tuvimos durante todos esos años supone para mí el cénit de mi carrera”.     José Carreras

·         “Muchas veces me han hecho esa pregunta, y no he encontrado respuesta. Sólo soy capaz de responderme a mí misma. Trabajar con este hombre era estar en éxtasis. Un éxtasis que no se podía describir. Permanecía 14 años junto a él, y lo que este hombre hizo por la música, lo que este hombre hizo por mí, cómo nos cuidaba a los cantantes y nos acompañaba cada noche en la Ópera… Era algo único. Y eso sí, la brutal disciplina que se imponía a sí mismo y que imponía a los demás hasta llegar a torturarnos para llegar a la esencia de la música. La verdad es que nos torturaba para sacar de nosotros lo que se exigía él (Karajan ) a sí mismo. Su música creo que era más ligera que el aire. No se puede describir.” Agnes Baltsa

·            «Respetaba ( Karajan ) al equipo de la DECCA y nosotros a él. Tuvimos una relación laboral, pero no una que yo valore en el grado en el que me gustaría. Porque él era, creo, el mejor director de su generación, pero no había manera de acercársele. Yo incluso sí, y Walter Legge también. Pero creo que fueron los únicos …“Christoper Reiburn

·                 “Me decía: “Bien, Señor Leister , venga Usted conmigo: pasaremos a Beethoven, Sinfonías cuarta, sexta y octava (…) ahora toque esto (…) No, así no, hágalo así (…) Él me corregía, me explicaba y luego me decía: Bien… ahora pasaremos con la orquesta. Karajan decía a la orquesta: ¡Por favor, acompáñenle! ¡Caballeros, atentos ahora! Cuando el Señor Leister toque y Ustedes no puedan oírle, es que están tocando demasiado alto. Y nadie protestaba. ¡Yo era muy joven, Dios mío! Hoy por hoy habría muchas protestas, pero él se limitaba a decir: Acompáñenle. Trabajaba muy bien con la gente joven. Para mí todo aquello era bastante nuevo; y esa confianza que tanto la Orquesta como Karajan depositaron en mí, es un gesto que todavía hoy se lo agradezco.”  Sr. Leister (Primer clarinete de la Filarmónica de Berlín).

Quizás en lo tengamos que fijarnos en su legado inmenso y en sus aportaciones a la dirección de orquesta, y a concebir un concierto como un gran espectáculo donde desde la escenografía hasta el más mínimo detalle eran revisados y controlados. Quizás todos recordaran las grandes interpretaciones de las sinfonías de Beethoven. Pero su gran reto fue dirigir las obras de Malher.

Os dejamos una muestra , un ensayo:

MUDDY WATERS

«Hablar de Muddy Waters es hablar de la historia del blues. Pero su influencia traspaso el coto privado del blues hacia estilos más modernos cono el Hard rock»

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McKinley Morganfield más conocido como Muddy Waters (Rolling Fork, 4 de abril de 1913 – Westmont, 30 de abril de 1983), el padre del chicago blues. Hablar de Muddy Waters es hablar de la historia del blues. Pero su influencia traspaso el coto privado del blues hacia estilos más modernos cono el Hard rock .

Prueba de ello fueron las giras que hizo por por Inglaterra a principios de la década de 1960 , donde Entre sus admiradores prominentes en la escena inglesa de los años 60, sobresalen : los Rolling Stones, quienes se bautizaron con ese nombre por la canción de Waters de 1948: “Rollin’ Stone”, también conocida como “Catfish Blues”,  ERIC CLAPTON (su banda Cream grabaría una versión de “Rolling and Tumbling” en su álbum debut Fresh Cream, de 1966 Led Zeppelin que su gran éxito “Whole Lotta Love” ( basado en la canción de Muddy Waters “You Need Love”, que fue escrita por Willie Dixon ) y posteriormente “You Shook Me” para su álbum debut de 1969. Su influencia ha sido tal que artistas de talla de Jimi Hendrix, versionaría la mencionada “Rollin’ Stone” (“Catfish Blues”), citó a Waters como “el primer guitarrista que le llamó la atención y le impresionó de jovenSu última aparición en vivo fue durante un concierto de Eric Clapton en Florida, en el otoño de 1982.

 Chicago (EE.UU.), 26 feb (EFE): – La casa donde la leyenda del blues Muddy Waters (1913-1983) vivió durante dos décadas al sur de Chicago luce hoy abandonada y la madera bloquea sus ventanas, pero si de algo están convencidos sus seguidores es que vendrán mejores días y acabará convertida en museo. “Actualmente la casa de dos pisos aguanta desolada, Situada en el cruce de la avenida Lake Park con la calle 43, esta abandonada en un barrio conocido como North Kenwood, a poca distancia de donde tiene su vivienda privada el presidente Barack Obama.

Aunque los amantes del blues la consideran sagrada y turistas asiáticos y europeos frecuentan el barrio para tomarse fotos, la casa, valorado en unos cien mil dólares, fue puesta a la venta y posteriormente retirada del mercado el año pasado. “Sus ventanas están bloqueadas con madera y una gran equis en su fachada indica riesgo para los bomberos en caso de incendio.

“En 2013 entró en la lista de las diez propiedades históricas del estado con mayor riesgo de ser demolidas elaborada por el grupo no lucrativo Landmark Illinois, pero al estar situada en un distrito histórico es dudoso que pueda ser destruida. “No obstante, su destino es aún incierto y desde entonces los admiradores de Waters buscan una manera de obtener la propiedad y convertirla en un museo.

“Marcos Raya, un popular artista plástico de 66 años basado en el barrio Pilsen, aseguró que empezó a escuchar a Muddy Waters en 1967 y desde entonces nunca ha dejado de hacerlo. Raya, como muchos otros, aboga por que la casa de Waters sea preservada por la ciudad como un tributo a este icono del blues porque nadie, consideró, contribuyó más a la transición del blues al rock.”

Os dejamos con la canción que tan dio nombre a los Rolling Stones:

SCOTT LAFARO

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Su muerte sumió a Bill Evans en una profunda depresión y un profundo silencio

 Rocco Scott LaFaro (Newark, Nueva Jersey; 3 de abril de 1936 – Geneva, Nueva York; 6 de julio de 1961) . Hablar de Scott LaFaro, es hablar del contrabajo moderno. Scott LaFaro transformo el arte de acompañar,  en un contrapunto armónico maravilloso que flotaba sobre las armonías de Bill Evans.  Liberó el contrabajo  de la función de acompañar rítmicamente para hacer de él un instrumento más libre y rico metódicamente. Pero esta química solo duró 6 años …

LaFaro murió con sólo 25 años en un accidente de coche en Flint, Nueva York, en 1961, dos días después de haber acompañado a Stan Getz en el Festival de Jazz de Newport y tan sólo diez días después de haber registrado la obra maestra del trío de Evans, el álbum Sunday at the Village Vanguard, Su muerte sumió a Bill Evans en una profunda depresión y un profundo silencio.

Había encontrado a su hermano musical y lo había perdido. A lo largo de los años , la  influencia de Scott LaFaro se ha  dejado sentir en  todos los bajistas y contrabajistas modernos que le sucedieron. Como. Eddie Gómez, Marc Johnson (ambos le  reemplazarón en el trio de Bill Evans, en épocas distintas). Charlie Haden, Miroslav Vitous , Jaco Pastorius, Gary Peacock…Entre otros Os dejamos con el maravilloso trio de Bil Evans, Scott LaFaro. Paul Motian. Y una composición de Bill Evans , Nardis:

 

 

 

MARVIN GAYE

El cantante confesó en vida, en más de una entrevista, que si no fuese porque su madre, Alberta Cooper, que lo apoyó con la música, se hubiera suicidado

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Washington el 2 de abril de 1939. Hijo de un predicador, ministro de la iglesia House of God. En su infancia soporto el fundamentalismo y los malos tratos, de su padre el reverendo Marvin Pentz Gay…Los castigos impartidos por su padre implicaban latigazos, y debido a eso, el canto se convirtió en un refugio para él.El final de su vida, fue como su infancia.

Después de varios intentos de suicidio, debido a su terrible adicción a las drogas, intentó refugiarse en la casa de sus padres. Allí, en la víspera de su cumpleaños número 45, fue asesinado por su padre de dos balazos, tras una fuerte discusión. El hecho fue calificado por el tribunal como ‘homicidio en defensa propia’, ya que Gaye también lo habría golpeado.
Muy triste todo. Quizás por eso su música es especial…
Compartimos una de sus fantásticas canciones con Tammi Terrell «Ain’t No Mountain High Enough»

FERRUCIO BUSONI

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“Poseía la certeza interior de su infalibilidad técnica como pianista” Alfredo Casella

Ferruccio Busoni (Empoli, Italia, 1 de abril de 1866 – Berlín, Alemania, 27 de julio de 1924) fue un compositor, pianista, profesor y director de orquesta italiano. Busoni ha ocupa un lugar importante en la historia de la música.

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Donde podríamos destacar  las transcripciones al piano de toccatas, corales o fugas de órgano de Bach. Como un pianista de condiciones excepcionales a la altura de Liszt.

 

Como compositor figuran hasta cuatro óperas y numerosas piezas para piano -entre ellas la monumental “Fantasía contrapuntística Alfredo Casella, en su célebre libro «El Piano”, traza una figura de Busoni tan cargada de veneración que llega a parecernos casi sobrehumana. Según Casella,

Un buen ejemplo de son sus particulares fusiones de teoría y práctica lo tenemos en la costumbre de añadir nuevas dificultades a algunas composiciones de Liszt, ya de por sí suficientemente cargadas de diabólicos malabarismos. Las transcripciones de Busoni, que junto con sus ediciones de los estudios de Liszt, o de “El clave bien temperado” de Bach son quizá las referencias más inmediatas a nuestro músico.

En estas transcripciones Busoni pretende llevar al piano los efectos del gran órgano con pedalera, buscando muchas veces en la escritura pianística un registro particular mediante determinadas duplicaciones y aprovechando al máximo las posibilidades del pedal de resonancia. Son obras extremadamente difíciles, y si no que se lo digan al gran A.

Ugorsky que se vio en apuros en un concierto no hace mucho con una de estas transcripciones. Como podéis ver en el video la célebre tocata y fuga en rem de Bach.

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