LOS HERMANOS DORSEY

LOS HERMANOS DORSEY

Durante la década de 1920, los dos hermanos trabajaron en varias bandas y como músicos independientes y de estudio, sobre todo en la ciudad de Nueva York.

El 29 de febrero nació. James Francis Dorsey mas conocido como Jimmy Dorsey 29 de febrero de 1904, en Shenandoah, Pensilvania.

Su padre, Thomas Francis Dorsey, era un minero de carbón que más tarde se convirtió en un profesor de música y condujo a una banda de música; sus tres hijos estudiaron música con él. Cuando eran sólo los adolescentes, Dorsey y su hermano más joven, Tommy, formaron su primera banda, la novedad de Dorsey Six, más tarde conocido como Canarias salvajes Dorseys .

Durante la década de 1920, los dos hermanos trabajaron en varias bandas y como músicos independientes y de estudio, sobre todo en la ciudad de Nueva York.

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Mientras que los dos hermanos habían comenzado en la bocina, Jimmy se hizo conocido por su forma de tocar del clarinete y el saxofón alto, mientras que Tommy tocaba el trombón y la trompeta. Los hermanos Dorsey jugado con todos los grandes nombres de la gran banda y la música swing, incluyendo los Ramblers de California, la orquesta de Paul Whiteman, Vicente López, Joe Venuti, y Ted Lewis; También registran como acompañando a músicos con Bing Crosby, las Boswell Sisters, y Ruth Etting, entre otros.

TOOTS THIELEMANS

«Tocar la armónica con una mano mientras usas la otra para hablar por teléfono no es fácil, créame. He tenido que desarrollar una técnica propia» J. M. García Martínez San Sebastián 25 JUL 2011

 

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Jean-Baptiste Isidor Thielemans (29 de Abril -Bruselas, 1922), con tratamiento de barón en su país por concesión del rey Alberto II, es un auténtico tesoro viviente. Thielemans vive en la localidad belga de La Hulpe, en una casa llena de arte a sólo un par de millas de Waterloo, a media hora en coche de Bruselas.

El instrumento de Toots es la armónica cromática, una armónica más extensa que  la diatónica  (usada en el Blues), con una extensión de tres octavas cromáticas – gracias a un botón con resorte, que desplaza las notas.

«Siempre he tocado la armónica cromática y de la misma marca, Hohner. Toco ese modelo y esa marca porque la armónica es un instrumento que tiene que estar afinado muy cuidadosamente y tengo un hombre en América que me chequea las afinaciones. Tengo además mi propio modelo, fabricado en exclusiva. Y no es que sea más caro, no por tocar un «Yamaha dos millones» o un Stradivarius lo vas a hacer mejor»

Esta armónica  es muy difícil de dominar. Como dice Dave Schroeder, director de estudios de jazz en la Universidad de Nueva York:

«hay una cosa que se llama memoria muscular. Practicas algo bastante y las manos van  allí, sus dedos disparan al sitio justo», pero “la diferencia de armónica es que no es táctil. Es un botón y 12 hoyos. Es muy fácil perderse entre ellos»

Si a esto le añades la dificultad, de que algunas notas deben ser sopladas, y otras inhaladas, hace que sea difícil tocar rápido y legatto.

Toots nació como Jean-Baptiste Thielemans en el Marolles, en el barrio más antiguo y modesto de Bruselas, Bélgica.

A los 14 años,  inspirado por  la banda sonora de una película de James Cagney, compró su primera armónica; lo curioso es que Toots era asmático y tocar la armónica resultó ser bueno para su salud.

Su primer contacto con el Jazz fue durante la guerra, oyéndolo en la radio europea, enamorándose al instante del nuevo género, especialmente después de escuchar a Louis Armstrong .

“No fueron años fáciles para nadie. Durante la ocupación alemana sufrí mi primera contaminación jazzística. Vivía en Bruselas y había cerca una tienda de discos a la que iba a mirar el escaparate. Al cabo de un tiempo, reuní el dinero suficiente para comprarme mi primer disco: Carry me back to old Virginy, de Louis Armstrong. Pero escuchar jazz estaba prohibido en aquellos días. La solución era amortiguar el sonido de la bocina del gramófono con una almohada para que no lo escucharan los vecinos. Si te denunciaban, podías ir a la cárcel»

Aprendió a tocar la guitarra y a tocar con las tropas estadounidenses en los bares de Bruselas.

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«Aprendí las notas escuchando los discos de Django Reindhart.»                                                                      «Soy autodidacta. Todo lo que sé, lo aprendí de los discos»

En 1949, tocó con Benny Goodman, el rey del swing:

“Todo empezó cuando Duke Ellington vino a Bélgica y yo me hice amigo de su violinista, Ray Nance. Le enseñé grabaciones con mi música, le gustaron y se las llevó. Poco después recibí la oferta de Benny”

 

 

 

 

 

 

 

 

La influencia de Toots llegaba más allá del jazz. En 1960 John Lennon, se compró el mismo modelo de guitarra, que usaba Thielemans la  Rickenbacker 325.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

A pesar que era preminentemente un músico de jazz.

Thielemans puede ser escuchado en bandas sonoras de películas como Desayuno con diamantes (1961) (en el solo de «Moon River» al comienzo de la misma), y en los temas principales de Cowboy de medianoche y de La huida (película de 1972), Bagdad Café y en varios programas de televisión como Barrio Sésamo, la serie belga Witsd y la serie holandesa Baantjer., o con músicos de otros generos como: Paul Simon, Billy Joel o Stevie Wonder .Y en los años 1970 con músicos Brasileños como: Elis Regina, Astrud Gilberto y Ivan Lins.

 

Escucha esta versión maravillosa de Cowboy de medianoche:

Aunque su mayor logro como músico fuerón sus colaboraciones, con músicos como: Oscar Peterson, Benny Goodman, Dizzy Gillespie , Charlie Parker, Ella Fitzgerald, George Shearing, Quincy Jones, Bill Evans, Grapelli,Pat Metheny, Jaco Pastorius.Grabaciones que hoy en día,  forman parte de la historia jazz de todos los tiempos

Sobre Charlie Parker dice:

 

«Soy uno de los pocos músicos vivos que puede presumir de haber tocado con Charlie Parker. Primero fue en París, en 1949.

Luego, en 1953, fui miembro de los Charlie Parker All Stars, junto a Miles Davis y Milt Jackson. Estuvimos una semana en el teatro Earl, de Filadelfia.

Tocábamos tres veces por noche: primero la película de John Wayne o de quien fuera, y luego salíamos nosotros»

 

 

 

 

 

 

 

Pero fue en 1962, cuando dio a conocer  su mayor éxito Bluesette, un tema que, más tarde, interpretaría en compañía del trompetista y cantante Chet Baker:

«Éramos diferentes en todo menos en lo importante: la música. Él era un modelo de perfección. Su manera de construir las frases, el modo en que cantaba… era perfecto. Yo no lo era tanto, por eso trataba de ser más moderno que él, porque él resultaba inabordable»

Os dejamos con una de sus mejores discos:

Publicado en el 27 mar. 2015

Chet Baker (tp), Toots Thielemans (hca), Åke Johansson (p), Kjell Jansson (b), Rune Carlsson (ds). Album:» Åke Johansson Trio with Chet Baker & Toots Thielemans / Chet & Toots » Recorded:Stockholm, Sweden, February 26, 1985

Pues aquí otra interpetación con orquesta

Cual elegirías ¿?

TITO PUENTE

«En aquellos tiempos, las orquestas de jazz se dedicaban sólo al jazz, pero nosotros, los latinos, al incorporar la percusión, le dimos un ritmo más excitante al jazz.»

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P.-¿De dónde salió el latin-jazz?

R.-En aquellos tiempos, las orquestas de jazz se dedicaban sólo al jazz, pero nosotros, los latinos, al incorporar la percusión, le dimos un ritmo más excitante al jazz. Yo he grabado muchas melodías que la gente conoce del jazz -números de Gillespie, Miles, Ellington o Monk-, pero al tocarlo con nuestro ritmo lo hacemos más excitante de lo que es. Las orquestas de jazz no pueden tocar latino ¡bien!, nunca; pero las latinas sí pueden tocar jazz ¡bien!; y eso es porque ellos no tienen clave, no conocen los tumbaos del bajo ni los guajiros del piano. Yo brego mucho con el jazz grande americano, enseño en muchas universidades y conservatorios de música, pero es muy difícil encontrar una orquesta de jazz tocando un número latino y que le saque el sabor que le sacamos nosotros.

Entrevista en” la revista” 27 de julio de 1997 Por Ricardo Aguilera

Ernesto Antonio Puente; Nueva York, 1923 – 2000) Compositor y percusionista estadounidense de origen puertorriqueño.

La aportación de Tito Puente a la música fue  fusionar el jazz y los ritmos antillanos que tendría gran influencia en la configuración y el posterior éxito de lo que hoy conocemos como Latin Jazz.

Lo más curioso es que durante  los diez primeros años de edad, Tito sólo ambicionaba ser bailarín profesional, pero tras lesionarse un tobillo mientras montaba en bicicleta. Tuvo que dejar el baile y enfocar  su vocación hacía la música.

Su primera actuación tuvo lugar a temprana edad con la banda de Los Happy Boys en el Hotel Park Place, y poco después, ya en la adolescencia, se unió a Noro Morales y la Orquesta Machito.

Tras el paréntesis que supuso la Segunda Guerra Mundial, que pasó en la marina, retomó su carrera musical.

Se matriculó en la Juilliard Musical Conservatory para estudiar dirección de orquesta, orquestación y teoría musical, materias éstas en las que se graduó con las mejores calificaciones en 1947, a la edad de veinticuatro años.

Durante su estancia en la Escuela Juilliard, Tito Puente tocó con José Curbelo, con Pupi Campo y con Fernando Álvarez y su Grupo Copacabana. En 1948 formó su propia banda, los Picadilly Boys, pronto conocida como la Orquesta de Tito Puente. Con esta formación grabó, para la firma Tico Records, el primer mambo que conocería el éxito más allá de los circuitos del público hispano: Abaniquito (1949). Ese mismo año firmó un contrato con la discográfica RCA Victor y editó el sencillo Ran Kan Kan.

Tito era crítico con la denominación de salsa a toda una serie de estilos antillanos.

El  apodo de la palabra “salsa” a todos los ritmos antillanos;  tuvo su origen en un programa de radio de un conocido locutor,  Phidias Danilo Escalona. El programa se retransmitía  a las 12:00 del mediodía (la hora en que se hacían las suculentas salsas de la época ), y además estaba patrocinado por una marca de salsa de tomate llamada “Salsa Pampero” . Así que la asociación fue instantánea.

Pero, para Tito que conocía el origen la palabra salsa no era de su gusto

P.-¿Por qué no le gusta la palabra salsa?

R.-No es un término musical. Salsa es comida, un condimento. Al decir la palabra salsa no se distingue una guajira de, un mambo, un cha cha chá, un merengue, una cumbia o lo que sea. Cuando dices salsa no se sabe qué clase de salsa quieres. Tengo mucho público que me dice: Tito, tócame una salsa argentina. La palabra salsa la están utilizando para cualquier cosa. Yo me uno ahora a esa palabra porque es muy comercial internacionalmente, es una etiqueta, y el año que viene inventarán otra cosa, pero se sigue tocando la misma música, que es la que siempre he estado tocando. No voy a cambiar mi música porque la llamen salsa.

Entrevista en” la revista” 27 de julio de 1997 Por Ricardo Aguilera

La confrontación con Tito Rodriguez

A finales de la década de los cuarentas el Palladium Ballroom ubicado en pleno corazón de Manhattan, a tan sólo 200m. del Radio City Music Hall, y a 300m. del Carnegie Hall, programaba principalmente a las orquestas los Afrocubans de Machito, Tito Puente y Maxwell Hyman propietario del salón decidió hacer cambios.

Tito Puente era muy bueno, sin duda, pero las noches eran largas y las pocas bandas de la ciudad que podían estar a su altura para entablar duelos sin interrupción, siempre andaban de gira. Por eso se le ocurrió contratar a una orquesta juvenil, que pudiera atraer a un público joven y al mismo tiempo alternar con Puente de manera continua. Se le ocurrió que para tal efecto el hombre más indicado era el ya muy popular Tito Rodríguez.

Estas dos orquestas muy pronto se volvieron míticas. Puente desplegaba todo su talento como timbalero para improvisar en piezas de su evidente swing latino, mientras que Rodríguez respondía a los ataques con versos satíricos en tiempo de mambo que despertaban hilaridad entre el público. Nadie ganaba, nadie perdía. Puente descargaba en su lenguaje de tambor toda su vitalidad tras un coro que decía

“Nana, saguero y bubla, raña de lubi ka… Ran kan kan, kan kan.

Rodríguez respondía, en su tono vocal jocoso y llamativo,

“Déjate de tanto alarde y vive la realidad, que por mucho que tú trates el mundo no cambiará… De sabio no tienes na.”

Y allí no terminaban. Puente, a través de su cantante Vicentico Valdés, soltaba todas las estrofas de la guaracha Tú no eres nadie, en tanto que Rodríguez llegó a componerle un tema a su rival:

“A mi no me importas tú ni diez miles como tú, yo sigo siempre en el goce, el del ritmo no eras tú.”

Este tipo de planteamientos en los duelos conformaron una especie de El Dorado musical en pleno corazón de Manhattan llegando incluso a que los nombres de Tito Puente y Tito Rodríguez se colocaran en el rótulo de la entrada del mítico salón

Ese cartel de la entrada le causó uno de los peores dolores de cabeza a Hyman una noche en que Puente llegó al club y vio que el nombre de Tito Rodríguez estaba primero que el suyo, de inmediato pidió que lo cambiaran y efectivamente se cambió. Más tarde apareció Rodríguez, quien, al ver que el nombre de Tito Puente estaba antes, le dijo al utilero lo mismo, lo que éste hizo sin rechistar. Volvió a aparecer Puente y estalló la cólera, hasta que por tercera vez se cambió el orden de presentación.

Al enterarse Hyman de lo sucedido, buscó a Puente y lo encontró tan enfadado que no le dijo nada. Rodríguez no andaba por allí, de modo que optó por poner los dos nombres en una misma línea, pero con Tito Rodríguez a la izquierda y Tito Puente a la derecha, lo cual significaba que este último recibiría el top billing lugar de honor, de acuerdo al protocolo del mundo del espectáculo. De esa forma, la noche la abrió Rodríguez, quien se sintió como un telonero. Por eso, al terminar su set , obvió la cortesía habitual y no mencionó a la banda que seguiría a continuación. Cuando le tocó el turno a Puente, tampoco anunció a su rival.

Nunca lo harían a partir de entonces…y el enfado continuó por toda la vida. Según dicen ….

Fíjate el desplazamiento rítmico que hace Tito Puente de este tema

Os dejamos con una versión del maravilloso tema de Dave Brubeck en versión de latin Jazz de  Tito Puente.

¿Que te ha parecido?

HENRY MANCINI

 “La música puede hacer que sientas lo que siente el compositor. Podemos escribir cualquier emoción : felicidad, miedo, ira, piedad… y todas esas cosas”.

 Entrevista “Perry Como’s music from Hollywood

16 de abril de 1924 en Cleveland, Ohio (Estados Unidos)- 14 de junio de 1994 en Beverly Hills (Estados Unidos).

Mancini Nació en Cleveland, Ohio. Pero fue criado en Pennsylvania. Allí empezó tocando la flauta en una banda local, en su juventud, antes de enviar algunos arreglos a Benny Goodman .Gracias a eso Goodman le ofreció un trabajo. Posteriormente, después de servir en la Segunda Guerra Mundial, se unió a la reordenada banda de Glenn Miller.

Fue nominado a 18 premios Oscar y ganó cuatro. Además ganó 20 Grammys y 2 Emmys.  Grabó más de 50 álbumes , y  publico unas 500 obras.

·         Mancini colaboró extensamente con Blake Edwards – en primer lugar en la televisión Peter Gunn (1958), luego en Desayuno con diamantes (1961), que  ganó dos Oscar. Y Otros dos  Oscar por la canción  de Días de vino y rosas (1962) y la banda sonora de ¿Víctor o Victoria? (1982). Lo curioso que una de sus melódias más polulares La pantera rosa (1963) no obtuvo ninguno.

Ha sido  Incluido en 1984 en el Salón de la Fama de los Compositores en Hollywood Boulevard.

Viendo todo este curriculum, podemos vislumbrar  a  un titán de la composición para cine.

¿Pero qué es lo que hace a Mancini tan diferente a los demás compositores para cine?

Sin lugar a dudas el extenso conocimiento que tuvo de las bandas de la edad dorada del jazz, en especial las de:  Count basie, Tommy Dorsey , Flecher Henderson, y sobretodo Duke Ellington-  tal como explica en una entrevista  de tv a Lylian Chauvin -1991. Allí fue donde, él encontró su estilo musical  e inspiración.

Una de las obras preferidas por todos los amantes del cine es  «Moon River». Una obra que siempre ha estada envuelta de magia y glamour; ¿quien no recuerda a la maravillosa Audrey Hepburn cantándola?…

La gestación de la  canción que compuso Mancini fue todo un reto para él,  ya que hacer cantar a Audrey Hepburn  no era una  tarea nada sencilla ( Audrey Hepburn poseia una voz con una gran tesitura,  ni tampoco una formación musical adecuada). Por lo que tuvo que hacerle una canción a medida.  Por esta razones ,al estudio, no le convencía para nada la idea y según cuenta la leyenda el jefe de estudio dijo:

” ¡Vamos   a cortar la canción! “, La reacción de todos fue de estupor tal como explica Mancini  : “Nos quedamos en silencio por un minuto o dos…. hasta que intervino Audrey Hepburn y convenció al estudio de mantenerla en la banda sonora”

Tal como explica la señora Mancini la canción se forjo en una noche :

“   Henry estaba ensayando para un concierto benéfico en el Hotel Beverly Wilshire en Los Ángeles cuando Mercer se presentó con letras en la mano. Se sentaron en el salón de baile vacía y Henry jugo con las ideas melódicas que tenía, mientras que Johnny cantó la letra. Johnny era un cantante maravilloso y me encantaba oírlo cantar. Eran dos de los mejores», Poco después de que grabaron un demo para el estudio y, como Ginny Mancini puso, la canción fue un «slam dunk”

Os dejamos una canción imperecedera con la voz original de  Audrey Hepburn, por cierto la mejor interprete que ha tenido esta obra según nuestra opinión…

¿Cual es tu interpretación preferida de Moon River ?

CLAUDE BOLLING

  «Duke decía que se inspiró en todos los pianistas. Y me siento más o menos de la misma forma”

Claude Bolling (nacido el 10 de abril de 1930), pianista francés, compositor, arreglista.

La característica principal de Claude Bolling es su versatilidad, gracias a la formación que obtuvo de sus maestros, Germaine Mounier (piano clásico), Leo Chauliac (piano de jazz), Maurice Duruflé (armonía), André Hodeir (contrapunto, orquestación).

Gracias a esta formación  ha podido colaborar  con Alexandre Lagoya , Pinchas Zukerman, Maurice André , Yo Yo Ma , la English Chamber Orchestra , Patrice et Renaud Fontanarosa , Marielle Normdann , Guy Touvron , Eric Franceries.

En una entrevista a Interjazz . Mayo 15, 2013 a Robin Arends

Habla de sus comienzos,

“Empecé a tocar a los 14 años de edad. En aquella época el jazz era muy popular. El free jazz o el jazz moderno no existían en este periodo. Los músicos de jazz tocaban en bares, cervecerías, pubs.”

Y sus influencias,  

Fui influenciado por Earl Hines, Teddy Wilson, Art Tatum, Willy «The Lion» Smith y, por supuesto, Duke Ellington.

De Duke Ellington dice:

“Me interesa todo desde la  “Black and Tan Fantasy” o «Mood Indigo»  hasta sus últimas composiciones. Él era un gran compositor y tenía el talento de llevar a a la máxima expresión el talento especial de cada uno de sus músicos“

El alcance de Claude Bolling no solo abarca el mundo del jazz, sino también la música clásica. Su Suite para Flauta y Piano Jazz Trío , escrita para Jean-Pierre Rampal y grabada con él, experimentará un gran éxito en los Estados Unidos, permanecerá 530 semanas en las listas de éxitos, hasta obtener los discos de oro y platino.

Aquí os dejamos el vídeo de esta obra maravillosa:

Suite For Flute And Jazz Piano Trio Claude Bolling, Jean-Pierre Rampal en el «Château de Versailles »

CARL PERKINS

«Amaba precisamente aquellos blue shoes -declaró en una ocasión-; si tú fueras tan pobre como hemos sido nosotros, amarías cualquier tipo de zapato”

Carl Lee Perkins (Ridgely, Tennessee el 19 de abril de 1932- Jackson, Tennessee, 19 de enero de 1998), Había nacido en una familia muy pobre de aparceros.

En 1955, en una situación límite, en extrema probreza Carl Perkins, escribió la canción «Blue Suede Shoes» sobre un viejo saco de patatas. Con Sam Phillips como productor, el disco sería un éxito clamoroso.

«Los empresarios me pedían que volviera al trabajo. Cada día había nuevas ofertas de espectáculos y los organizadores me recomendaban que las aceptara aunque me limitara a salir al escenario y cantar ‘Blue suede shoes’ “

Solo en  Estados Unidos, alcanzó el número 1 en la Billboard magazine en su sección de música country, el 4 en la sección de música Pop y el 3 en la de rhythm and blues. En el Reino Unido, se convirtió en un éxito de los Top Ten. Fue el primer disco de un artista de la casa Sun que alcanzó un millón de copias. El éxito fue tal que hasta el propio  Elvis Presley  1956 lo volvió a  colocar en el top ten.

Aprovechando dicho éxito, la mala suerte hizo presencia en su vida, cuando viajaba junto a su grupo a participar en un programa de televisión en el show televisivo de Perry Como. Un accidente automovilístico ocurrido en Wilmington, falleció su hermano Jay y su manager. Y Carl Perkins sufrió una fractura de cráneo que lo mantuvo fuera de la música durante bastante tiempo.

Su aportación al rock fue grande; Carl fue de los primeros en introducir y en crear el híbrido una mezcla de rhythm and blues y música country conocido como rockabilly.

Cuando hablaba de sus influencias, citaba al músico bluegrass Bill Monroe y a los bluesmen John Lee Hooker y Muddy Waters.Para definir su música, Perkins solía decir: «Es sólo country con un poco de beat».

Carl Perkins murió a la edad de 65 años a causa de un cáncer de garganta después de sufrir varios ataques. Fue enterrado en el cementerio de Ridgecrest en Jackson.

Con vosotros  canción «Blue Suede Shoes«

CARMEN MERCEDES MCRAE 

       “Cada palabra es muy importante para mí”

Carmen Mercedes McRae (8 de abril de 1922 – 10 de noviembre de 1994) A veces hablar de Carmen MacRae , es una tarea compleja.  Carmen  MacRae, creció a la sombra de las grandes del jazz.

Fue una época complicada para ella, ya que enseguida salían las comparaciones  entre ella ,  Billie Holiday ( la que fue su inspiración según explico ella más tarde) , Ella Fitzgerald o Sarah Vaughan. Carmen McRae nació en Harlem el 8 de abril de 1920, uno de los cuatro hijos de inmigrantes de las Indias Occidentales.

Creció en Brooklyn, asistió a Julia Richman High School en Manhattan y recibió clases de piano desde los cinco años.

Su primera gran oportunidad le vino cuando ganó un concurso de talento de aficionados en el Teatro Apollo de Harlem. Fue allí donde fue descubierta en 1939 por Irene Kitchings, quien entonces estaba casada con el pianista de jazz Teddy Wilson, que le impulso su carrera. A partir de  1943 en Brooklyn, mientras trabajaba de oficinista durante el día actuaba en clubes por la noche.

Poco a poco comenzó a sustituir a otros cantantes de bandas dirigidas por Benny Carter, Count Basie y Earl (Fatha) Hines.

Con el tiempo consiguió un contrato de 18 meses con la banda liderada por Mercer Ellington, el hijo de Duke, haciendo en 1946 su  primera grabación con la banda, cantando bajo el nombre de Carmen Clarke.

Carmen McRae lanzó su primer disco en solitario en 1955, el mismo año hizo sus primeras grabaciones para Decca, donde permaneció hasta 1958.

Luego vinieron muchas más  compañías discográficas, hasta llegar a la friolera de más de 51 discos en toda su carrera musical. Pero que hace de Carmen McRae una cantante tan especial, ella no tenía el registro ni de Ella ni de Sarah.

Pero tenía una tremenda musicalidad que hizo de las canciones como una intérprete sumamente detallada de las letras, seguramente debido a su formación pianística.

Tal como decía ella:  “Las letras son lo primero, y luego la melodía. La letra de una canción que podría decidir a cantar debe tener algo que puedo convencer a. Es como una actriz que selecciona un papel que contiene algo que quiere representar.” Por eso Carmen McRae, es considerada por muchas cantantes como  una inspiración y un camino a seguir.

Os dejamos con un video de su primera época que los disfrutéis!!! Carmen McRae, voz. Norman Simmons, piano. Victor Sproles, contrabajo .Walter Perkins, bateria.

 

SCOTT LAFARO

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Su muerte sumió a Bill Evans en una profunda depresión y un profundo silencio

 Rocco Scott LaFaro (Newark, Nueva Jersey; 3 de abril de 1936 – Geneva, Nueva York; 6 de julio de 1961) . Hablar de Scott LaFaro, es hablar del contrabajo moderno. Scott LaFaro transformo el arte de acompañar,  en un contrapunto armónico maravilloso que flotaba sobre las armonías de Bill Evans.  Liberó el contrabajo  de la función de acompañar rítmicamente para hacer de él un instrumento más libre y rico metódicamente. Pero esta química solo duró 6 años …

LaFaro murió con sólo 25 años en un accidente de coche en Flint, Nueva York, en 1961, dos días después de haber acompañado a Stan Getz en el Festival de Jazz de Newport y tan sólo diez días después de haber registrado la obra maestra del trío de Evans, el álbum Sunday at the Village Vanguard, Su muerte sumió a Bill Evans en una profunda depresión y un profundo silencio.

Había encontrado a su hermano musical y lo había perdido. A lo largo de los años , la  influencia de Scott LaFaro se ha  dejado sentir en  todos los bajistas y contrabajistas modernos que le sucedieron. Como. Eddie Gómez, Marc Johnson (ambos le  reemplazarón en el trio de Bill Evans, en épocas distintas). Charlie Haden, Miroslav Vitous , Jaco Pastorius, Gary Peacock…Entre otros Os dejamos con el maravilloso trio de Bil Evans, Scott LaFaro. Paul Motian. Y una composición de Bill Evans , Nardis:

 

 

 

CA EN ES